1. Préambule
La préproduction concerne tous les événements qui précèdent la fabrication réelle du film. Il s'agit essentiellement de l'invention du film et de l'écriture du scénario. En faisant tout ça, vous devrez garder à l'esprit la suite des événements (production, postproduction) ; en effet, tant que vous ne roulerez pas sur l'or, vous resterez soumis à des limites d'ordre matériel.
Vous devrez aussi constituer une équipe de spécialistes, afin de gagner du temps lors de la production et de la postproduction. Pourquoi en parler si tôt ? La raison est simple : ce n'est pas facile de monter une équipe motivée, et ce que vous pourrez faire dépendra de l'aide que vous recevrez.
Vous devrez aussi constituer une équipe de spécialistes, afin de gagner du temps lors de la production et de la postproduction. Pourquoi en parler si tôt ? La raison est simple : ce n'est pas facile de monter une équipe motivée, et ce que vous pourrez faire dépendra de l'aide que vous recevrez.
2. Invention du Film, Création de l'histoire
Il est à la portée de tous de trouver l'inspiration pour faire un Fan-Film, et ce n'est pas mon rôle de vous dire comment trouver des idées. Toutefois, il est important de comprendre que l'originalité d'un Fan-Film vient de son histoire, et non de ses effets visuels. Les réalisateurs de Fan-Films ont bien montré qu'ils maîtrisent tout cet aspect esthétique et sont capables de faire apparaître des sabres laser ; mais cet aspect technologique doit être au service de votre histoire, et non l'inverse.
L'histoire que vous raconterez doit comprendre une présentation des personnages et de leur contexte de vie, afin de permettre aux spectateurs de s'y identifier. Dans le cas des films de George Lucas, le texte déroulant en début de film sert souvent à contextualiser la situation, mais les décors et les costumes en disent beaucoup également. Un film, c'est généralement un moment important dans la vie d'un ou de plusieurs personnages. Au début de l'histoire, les personnages sont mis face à une situation critique, instable, face à un problème qu'ils doivent dénouer tout au long du film. C'est l'intrigue, ou trame de fond, qui sert de base pour le déroulement de l'histoire. Naturellement, des intrigues secondaires pourront affecter les personnages ; des événements annexes, des rebondissements. À la fin de l'histoire, les personnages ont résolu les problèmes qui leur étaient posés (ou, du moins, la plupart d'entre eux) et se retrouvent dans une situation différente du début, plus stable - ou le contraire, si le film appelle une suite.
L'histoire que vous raconterez doit comprendre une présentation des personnages et de leur contexte de vie, afin de permettre aux spectateurs de s'y identifier. Dans le cas des films de George Lucas, le texte déroulant en début de film sert souvent à contextualiser la situation, mais les décors et les costumes en disent beaucoup également. Un film, c'est généralement un moment important dans la vie d'un ou de plusieurs personnages. Au début de l'histoire, les personnages sont mis face à une situation critique, instable, face à un problème qu'ils doivent dénouer tout au long du film. C'est l'intrigue, ou trame de fond, qui sert de base pour le déroulement de l'histoire. Naturellement, des intrigues secondaires pourront affecter les personnages ; des événements annexes, des rebondissements. À la fin de l'histoire, les personnages ont résolu les problèmes qui leur étaient posés (ou, du moins, la plupart d'entre eux) et se retrouvent dans une situation différente du début, plus stable - ou le contraire, si le film appelle une suite.
3. Ecriture du Scénario
Il s'agit de l'agencement de l'histoire, de sa structure en vue de la mettre en images. C'est littéralement une description des scènes du film (comprenant l'action et les dialogues). Il faut penser que le spectateur n'est pas dans votre tête, et que certains éléments qui vous semblent évidents pourront lui échapper.
Un film est classiquement découpé en plusieurs actes (souvent 3 actes), et les actes sont eux mêmes découpés en scènes. Les actes sont les moments historiques décrits par le film, et les scènes sont des descriptions précises d'événements choisis.
Le découpage en actes permet au spectateur de se repérer dans la progression du film. Le premier acte est généralement celui où l'on découvre les personnages principaux et leurs motivations. C'est dans cet acte qu'est posée l'intrigue principale. Le premier acte contient assez d'action pour intéresser le spectateur et l'empêcher de dormir, c'est l'accroche. Il doit donner envie de voir la suite. Bien sûr, cet acte est moins impressionnant que le troisième, qui sera le plus spectaculaire, le bouquet final. Le second acte est généralement le plus calme. Cela ne veut pas dire qu'il ne s'y déroule rien. Il permet de faire avancer l'histoire, de faire progresser les événements, et, pourquoi pas, de développer la psychologie des personnages. Le troisième acte, comme je viens de le dire, est le plus spectaculaire. C'est dans ce troisième acte que se produit le dénouement de l'histoire.
Les actes sont des suites de scènes. Ces scènes sont les séquences de base qui constituent le film, un peu comme un puzzle. Chaque scène est une partie d'histoire qui est indivisible, et qui décrit un événement particulier, elle apporte sa pierre à l'édifice. Les scènes peuvent apporter plus ou moins d'éléments importants à l'histoire. Une scène pourra être sans importance pour l'intrigue du film, mais apporter beaucoup de renseignements sur un personnage, sur sa psychologie, ou sur un lieu... Ceci donne de la profondeur à l'histoire et la rend d'autant plus intéressante. Si vous aimez vos personnages, si vous avez passé plus de 5 minutes à les créer, vous pourrez naturellement avoir envie de les présenter correctement, avec des scènes de dialogues, d'émotions, d'humour... Attention toutefois que le film ne devienne pas un recueil d'anecdotes sans queue ni tête!
Pour le film, les scènes sont découpées en plans. Ce travail des plans a réellement un sens dans le film. Généralement, une scène commence par un plan d'ensemble qui présente le décor et les personnages. Puis, le cadrage devient plus subjectif, voire plus artistique. Vous pouvez utiliser une vue en contreplongée pour augmenter l'effet de puissance, de domination, de grandeur d'un personnage, d'un monument, d'un vaisseau spatial... A l'inverse, une vue en plongée peut donner une impression de faiblesse. Dans le cas de scènes à tendance psychologique, le choix des plans peut être basé sur l'atmosphère, les émotions d'un personnage. Pour mettre l'accent sur les émotions d'un personnage, on peut le filmer en gros plan. En revanche, pour les scènes d'action, il est préférable de filmer plus objectivement, de cadrer l'ensemble de ce qui se passe. Bien sûr, tout est permis et il ne tient qu'à vous d'inventer vos plans, vos cadrages.
Pour ceux qui aiment tout planifier, vous pourrez faire un storyboard. On peut appeler ça un scénarimage en français. C'est une représentation graphique des scènes, plan par plan (un scénario en images, donc) qui représente théoriquement ce qui apparaîtra à l'écran une fois le film terminé. Chaque plan est schématisé, avec l'action qui s'y passe. Cela permet de gagner du temps lors du tournage puisque le cadreur sait à l'avance où il doit placer sa caméra. Attention, ceci peut enlever au film sa spontanéité. Certains réalisateurs aiment être sur place (sur les lieux de tournage) pour choisir leurs emplacements de caméras et leurs plans. Voir l'action en live permet de repérer certaines choses auxquelles on n'avait pas pensé lors de la création du scénarimage, et cela peut nécessiter la mise en place de nouveaux angles de vue.
Vous n'avez pas besoin d'avoir fait les beaux arts pour faire un storyboard! Personne d'autre que vous (et votre équipe) ne le regardera. Il faut simplement y représenter clairement ce que vous voulez filmer.
Un film est classiquement découpé en plusieurs actes (souvent 3 actes), et les actes sont eux mêmes découpés en scènes. Les actes sont les moments historiques décrits par le film, et les scènes sont des descriptions précises d'événements choisis.
Le découpage en actes permet au spectateur de se repérer dans la progression du film. Le premier acte est généralement celui où l'on découvre les personnages principaux et leurs motivations. C'est dans cet acte qu'est posée l'intrigue principale. Le premier acte contient assez d'action pour intéresser le spectateur et l'empêcher de dormir, c'est l'accroche. Il doit donner envie de voir la suite. Bien sûr, cet acte est moins impressionnant que le troisième, qui sera le plus spectaculaire, le bouquet final. Le second acte est généralement le plus calme. Cela ne veut pas dire qu'il ne s'y déroule rien. Il permet de faire avancer l'histoire, de faire progresser les événements, et, pourquoi pas, de développer la psychologie des personnages. Le troisième acte, comme je viens de le dire, est le plus spectaculaire. C'est dans ce troisième acte que se produit le dénouement de l'histoire.
Les actes sont des suites de scènes. Ces scènes sont les séquences de base qui constituent le film, un peu comme un puzzle. Chaque scène est une partie d'histoire qui est indivisible, et qui décrit un événement particulier, elle apporte sa pierre à l'édifice. Les scènes peuvent apporter plus ou moins d'éléments importants à l'histoire. Une scène pourra être sans importance pour l'intrigue du film, mais apporter beaucoup de renseignements sur un personnage, sur sa psychologie, ou sur un lieu... Ceci donne de la profondeur à l'histoire et la rend d'autant plus intéressante. Si vous aimez vos personnages, si vous avez passé plus de 5 minutes à les créer, vous pourrez naturellement avoir envie de les présenter correctement, avec des scènes de dialogues, d'émotions, d'humour... Attention toutefois que le film ne devienne pas un recueil d'anecdotes sans queue ni tête!
Pour le film, les scènes sont découpées en plans. Ce travail des plans a réellement un sens dans le film. Généralement, une scène commence par un plan d'ensemble qui présente le décor et les personnages. Puis, le cadrage devient plus subjectif, voire plus artistique. Vous pouvez utiliser une vue en contreplongée pour augmenter l'effet de puissance, de domination, de grandeur d'un personnage, d'un monument, d'un vaisseau spatial... A l'inverse, une vue en plongée peut donner une impression de faiblesse. Dans le cas de scènes à tendance psychologique, le choix des plans peut être basé sur l'atmosphère, les émotions d'un personnage. Pour mettre l'accent sur les émotions d'un personnage, on peut le filmer en gros plan. En revanche, pour les scènes d'action, il est préférable de filmer plus objectivement, de cadrer l'ensemble de ce qui se passe. Bien sûr, tout est permis et il ne tient qu'à vous d'inventer vos plans, vos cadrages.
Pour ceux qui aiment tout planifier, vous pourrez faire un storyboard. On peut appeler ça un scénarimage en français. C'est une représentation graphique des scènes, plan par plan (un scénario en images, donc) qui représente théoriquement ce qui apparaîtra à l'écran une fois le film terminé. Chaque plan est schématisé, avec l'action qui s'y passe. Cela permet de gagner du temps lors du tournage puisque le cadreur sait à l'avance où il doit placer sa caméra. Attention, ceci peut enlever au film sa spontanéité. Certains réalisateurs aiment être sur place (sur les lieux de tournage) pour choisir leurs emplacements de caméras et leurs plans. Voir l'action en live permet de repérer certaines choses auxquelles on n'avait pas pensé lors de la création du scénarimage, et cela peut nécessiter la mise en place de nouveaux angles de vue.
Vous n'avez pas besoin d'avoir fait les beaux arts pour faire un storyboard! Personne d'autre que vous (et votre équipe) ne le regardera. Il faut simplement y représenter clairement ce que vous voulez filmer.
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